Texto rechazado para el catalogo de la exposición en el Museo de Pontevedra

Había invitado a un familiar, C.,  para que me enseñará unas fotografías antiguas y me contará unas cuantas historias nostálgicas. Quería añadirlas a mi colección de fotografías familiares y quizás conseguir más retratos para poder pegarlos donde vivian.

Todavía faltan un par de minutos para la hora. Sonó el timbre de la puerta. Mi perro empezó  a ladrar pero sin levantarse. Abrí la puerta.

C. - ¿Ésta es Antía? ¡Pero que grande estas! Oohh, mira, ¿cuánto tiempo tiene el perro? Recuerdo cuando eras niña y un día nadábamos con tu hermana en Samil, él no dejó de ladrar en todo el rato.

Acto seguido, C. cruzó el pasillo con decisión y sin preguntar entró en el salón. La sigo y me siento a su lado. La observó mientras saca muchas fotos de una bolsa de plástico. Hacía mucho tiempo que no la veía. Estaba muy cambiada. El tiempo había surcado aún más su cara. La recordaba más alta. Siempre ha sido esbelta y con una bonita sonrisa. Se mostró amable pero sus ojos demostraban que no era su mejor momento.

Yo – ¿Quieres un café o una infusión?

C.-  De ninguna manera, acabo de comer. Vamos a ver las fotografías que para eso he venido.

Yo. – Me ha comentado T. Que has roto varias.

Agacho la cabeza. No sabía que hacer o que decir. Se puso un dedo­­­­ sobre los labios mientras reflexionaba la respuesta.

C.– Sí, quería romper las fotos. No tengo hijos, no quiero que algún día mis recuerdos se llenen de polvo en una almoneda cuando yo ya no esté. Pero no puedo seguir haciendolo, mi corazón se hace añicos al mismo tiempo. – Respondió sinceramente.- Tú las sabes apreciar. Prefiero que hagas algo con ellas. 

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“LA OBRA DE ARTE COMO OBJETO DE INTERCAMBIO. PROCESOS Y ESTRUCTURAS DEL MERCADO DEL ARTE” DE NACHO RUIZ

Presentación del libro de Nacho Ruiz.

Este libro,“La obra de arte como objeto de intercambio. Procesos y estructuras del mercado del arte” de Nacho Ruiz ha sido presentado hoy en ARCO (IFEMA). En él se analiza la obra de arte en su recorrido por el galerista, el crítico y el coleccionista, destacando también el papel que desempeñan las revistas y las ferias de arte. Igualmente se examina la interacción de los factores implicados, desde la óptica anglosajona e italiana pero aportando la visión hispana.
 La publicación también incluye un ensayo dedicado a Centroamérica escrito por Valia Garzón, especialista y gran conocedora del mercado del arte en esta región.

Centro Cultural de España en Guatemala

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Revistas

Artforum Brooklyn: http://www.brooklynartscouncil.org/ http://www.brooklynstreetart.com/theblog/ http://www.brooklynartproject.com/ The Brooklyn Rail

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Recap: The Heterogenoeous City

Recap: The Heterogeneous City
By: blog on May 9, 2011

Vito Acconci speaks at the panel discussion for The Heterogeneous City


Cities are the cauldron of transformation,” asserted Jonathon Rose, the discussion leader at The Festival of Ideas’ conference on The Heterogenous City, which included Jonathon Bowles, Suketa Mehta, Vito Acconci and Rosanne Haggerty. The discussion began with a deferent, and at times nostalgic, affirmation that New York City is indeed a creatively, ethnically and economically diverse city. However, the tone quickly shifted from celebratory to cautionary, as panelists debated mechanisms that could make heterogeneity sustainable. With a rising gap between rich and poor, which Rose deemed as “unhealthy, destabilizing” not to mention “immoral and unjust,” New York is becoming, according to Mehta, “one of the most grotesquely unequal American cities” where the average daily income of New York’s top economic tier is greater than the yearly salary of the city’s lowest-income group. Mehta argued against the common conception that for progress to happen, “the old city needs to be wiped out in order for the new city to be built,” thereby calling to mind the familiar colonialist rhetoric of modern gentrification. Rather than an outright resistance to gentrification and its effects on development, what people are asking for, Mehta argues, is coexistence, requiring the city to make room and facilitate new networks of solidarity. Such a city demands “generosity.”

Both Vitto Acconci and Rosanne Haggerty offered ideas for facilitating coexistence in order to maintain the heterogenous city. Acconci, an artist and practicing architect who recognizes that “unbuilt projects can be read as a theory of public space,” presented a series of proposed operations that would bend, stretch, morph, fold and mobilize urban space, reclaiming architecture as an activator of the public imagination, an opportunity to re-invent our relationship to and experience of the city, rather than a totalitarian project that encodes a dictated spatial behavior on its users. By challenging the boundary between public and private space, Acconci proposes the use of architecture to facilitate new interactions in the city. By forming small clusters of intimate space within larger public spaces, he argues, people do not need permission to speak, but can move and participate in civic life with a sense of agency.

Rosanne Haggerty approached the issue of maintaining a diverse city through the arguably more practical lens of housing. Haggerty’s organization Common Ground has transformed abandoned buildings in New York City, including The Times Square Hotel and more recently The Andrew’s Hotel on the Bowery, into mixed use housing opportunities for the homeless, low-income families as well as artists who need affordable work and living spaces. Haggerty poses the question: how do we get out of the way to let ground up innovation happen? She argues for a framework that is willing to risk fluidity for the sake of innovative solutions–more specifically, she calls for a re-evaluation of zoning codes in order to maximize the housing opportunities that the city has to offer. Safety and health, she argues, should be the only bases for zoning dictates. Beyond that, “why should we care” how people chose to organize housing? The “well-intentioned guidelines” of the system hinder growth, as our society’s value system arguably shifts away from “family centric” modes of operation. As Acconci argues, the “we,” or our imagining of the collective, is constantly shifting, and our systems of spatial organization need to facilitate innovative responses.

Beyond innovations in housing and public space, Bowles suggests that preserving heterogeneity requires strengthening New York’s transit system in order to facilitate connections between places and “unleash economic opportunities” in less developed neighborhoods in the outer boroughs. Such a move would allow people to visit places–such as Coney Island–that make New York City unique, yet will continue to be threatened by foreclosure and redevelopment if they remain largely disconnected from the city center. By establishing new networks that move and connect people, both physically and intangibly, the city can continue to hold on to its unique diversity and remain a place that attracts a continuous influx of people rather than compels them to make their homes elsewhere. By the same token, these same transit systems allow middle class workers who’ve been priced out of the city to move to places such as Philadelphia and continue to work in Manhattan. Efficiency, then, will still require an attenuated sense of place and a political will to carve out a space for the middle class alongside the immigrant population (without whom the city’s economy might collapse) and the globetrotting financiers who (at least for now) call the city their home.

- C-Lab

Recap: The Networked City
By: blog on

Moderator Joseph Grima speaks at the panel discussion for The Networked City, Photo by Benoit Pailley



The discussion on the afternoon of Thursday, May 5 on the “networked city” ranged in tone from reverence at the scalar immensity of the networks that comprise the flow of global capital, (described by McKenzie Wark as being “so big as to be invisible”), to paranoia surrounding the potential both for network collapse (Anthony Townsend’s “bugs in the smart city”) and/or manipulation (Townsend’s “surveillance society,” or Adam Greenfield’s spectrum of technological affect: helpful, disrespectful, downright exploitative), to sheer amusement at the possibilities opened up by imagination and the spaces of connectivity (Nathalie Jeremijenko’s prompt that each of us would benefit from picking a product and tracing its development from the factory to the store). Moderator Joseph Grima brought an architectural sensibility to the conversation, yet, to his credit, refused to deviate into the realm of asking what a networked city might actually look like. The morphological question set aside for the time being, the panelists engaged in a spirited political debate about the structure of networks and sought to locate the source of agency within this seemingly ambiguous space.

Ultimately, the question boiled down to the ambivalent relation between planning and play, a pair that cuts across the outmoded distinction between top-down and bottom-up action. Prompted perhaps by Wark’s evocation of the work of Constant Nieuwenhuys, the radical Situationist architect whose speculative New Babylon project (1959-1974) presented a vision of a ludic society; of individuals at play upon the vast surfaces of his new megacity. The concept of “play” as a source of agency was best suggested by two of Jeremijenko’s examples, the first being that sport is often the largest single determinant in the propagation and preservation of green space within cities. Her second example focused on the FAA’s recent classification of a “sport pilot’s license” to go along with recent developments in small-scale personal aviation. This play-driven change in code, or rather, the framework through which individuals have access to transportation choices (i.e. agency), has the power to change behaviors in the long term.

The latter example is key, as it represents a relation between the legislative/planning framework and the grassroots act. By the end of the New Babylon project, Constant had driven his ludic utopia into a dystopic state. This shift in attitude reflected Constant’s evolving belief that endless, unstructured play would ultimately destroy the city. In effect, individuals required a some form of organization with which to interact or respond. Townsend and Greenfield both set out to define such a structure for the networked city, namely, a set of procedures or juridical operations that would make the city more inclusive by making its processes more legible and by holding all parties accountable as much in their dealings in the “abstract” networked world as they would otherwise be in the “physical” world (a distinction, of course, to which none of those on the panel would likely ascribe). Only through such a continual updating of the rules of the game can the actions on the field come to resemble play rather than entropy. The deluge of unfiltered data (what Reinhold Martin calls, “the statistical sublime”) that accompanies the profusion of networks can become a smokescreen behind which to hide or an open-sourced playground for all. If Thursday’s panel is any indication, the networked city will likely be characterized by a tense, though vibrant political interplay between these extreme modes of operation.

- C-Lab

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AAF. Phase 1: installing

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Dia Art Foundation: Bacon, CT

Dia Art Foundation: Bacon, CT:

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How & Nosm

El domingo fuí a cubrir cómo realizaban un grafitti en la 14th Street. Era un encargo del local.

Los artistas se llaman How & Nosm, dos gemelos nacidos en San Sebastian pero crecidos en Alemania pero en la actualidad residen en Nueva York.

Han realizado murales alrededor de mundo, la mayor parte de ellos de forma ilegal, en la evolución fueron creando también encargos, como los realizados para campañas de Pepsi, Coca cola, Delta, etc. Participaron en Scope.

Aquí os dejo el video, no tengo muy claro que vaya a ser el definitivo, aún quiero tomar una captura más, pero con luz, el dichoso local abre desde que amanece hasta las 00.00... excepto los domingos... así que ya veré.

The twin brothers HOW and NOSM are graffiti artists and professional muralists residing in New York .Born in  San Sebastian, Spain ,the brothers grew up in Duesseldorf ,Germany .Their late teenage years were spent spraypainting the world, visiting many countries. Their evolution was from any kind of surface on the street to creating elaborate murals for a number of known commercial clients such as SONY or Pepsi.

They are member of the historical  TATS CRU.

I was with them on Sunday. The nigh was frozen, I wasn't even able to feel my feet but They are such nice guys and very fast painters. They have an extraordinarely use of the spray. They created that wonderful grafitti for Bite, a sandwich bar - café that is in 14th Street, between 2nd and 3rd Avenue.

Artist: How & Nosm

Photography and video: Antía Cea García

Music: Russian Red

Localitation: Bite, 211 14th Street, NYC

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Video

¿Qué tal el fin de semana? No tengo nada nuevo que contar, excepto que he encontrado unos cines muy especiales (que proyectan dos películas españolas), me pasaré mañana. Votos: Biutiful, Blue Valantine o Even the Rain (También la lluvia). 3  2  1 ...

Calentando motores, aquí posteo esta bonita animación.

Que daño ha hecho Tim Burton...

Pd. Empezaré a escribir también en inglés, ya que hay gente que lo sigue de fuera y gente de EEUU me sugirio hacerlo.

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¿Cual es el único país que consigue que Nueva York se vuelva verde?

¡¡¡¡ I R L A N D A !!!! ¿Tributo a la Guinness?

La "cavalgata" consiste en un monton de bandas que van desde la 44 (más o menos) hasta Central Park, a la altura del Guggenheim. Muy chorra, el ambiente está bien, alegre y festivo pero ni me pare a verla.

La reina de la fiesta y a su lado muchas princesas...

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día de MET

Hoy he pasado el día en el Met, el Metropolitan.

Por un lado, me esperaba más, (en realidad solo me dio tiempo a ver una cuarta parte del museo, así que tendre que volver). Ví la sección griega, escultura europea y americana.

La colección de esculturas griegas que tienen, no es que se pueda tomar como referencia a la época pero tienen piezas realmente curiosas.

Un ejemplo, esta cabeza. ¿No os parece un alarde de técnica? Medio rostro cubierto por un fino velo donde se intuyen claramente los rasgos de la joven. Me recordo a una estatua que hay en el Prado, que es, si no recuerdo mal, el busto de Isabel de Inglaterra, un alarde tecnico del s.XIX.

Lo reconozco, la fotografía es una virria, pero me impacto, tenía que compartirla. Además, es que la tienen escondida en una esquina, de

tras de una puerta, donde casí no tiene luz.

Foto entrontrada:
"Isabel II, velada", 1855, mármol de Carrara, 65 x 57 x 47,5 cm. Museo del Prado. Autor: Camilo Torreggiani. Con este trabajo consiguió romper completamente el retrato oficial e impresionar a la reina con este espectacular alarde técnico. El rostro de la reina Isabel II, aparece velado, lo que remite a las imágenes de la Fe, la Virtud o la Religión.

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=10007

Sepultura del siglo de mediados del siglo IV a.C., en Attica, Grecia.
Lo que describiía el título de la obra era:

La imagen de esta mujer nos lleva a la descripción de Aristoteles de la creencia sobre la muerte:"Además de las creencias sobre lo que al final de la vida nos are felices y desdichados, también tendríamos que decir que algo falso o difamatorio es impío, desde nuestros sentimientos que dictan en contra de quienes consideramos mejores o superiores "(Of the soul, quoted in Plutarch, A letter to Apollonious 27). Mas largo que la vida y sentado en un trono, esa figura asume proporciones casi heroícas.

Cabeza de una escultura funeraria. Grecia, Attica, finales de siglo IV a.C.

Grupo de dos niñas jugando a un juego conocido como Ephedrismos.
Figuras de terracota de Afrodita bailando con Eros. Principios del s. IV a.C., quizás Corintia.

Estatua de bronce de Eros dormido.
Greecia. Helenistico de Augustan.
Siglo 3 a.C. - principios del siglo I. Se dice que fue de la Isla de Rhodas.

La destacada caracterización de la edad fue introducida en el periodo helenistico. El niño disfruta del favor como si de una forma mitológica se tratase, como el bebe de Herakles o Eros o una escena de genero.

Tras esta diminuta escultura, el trabajo de Giacometi, que por cierto, también está en la colección, parece un poco menos único, un poco menos creativo. Bahh, me da igual, me seguirá fascinando toda su obra.

Estatuilla de un sátiro.
Roma, Periodo Imperial, siglo I. Copia de un trabajo griego del II a.C.

Estatua de marmol de la pelea de un galo. Griega. Helenistica tardía, siglo II o I a.C. Se dice que procede de Cerveteri, Italia

Esta figura puede ser identificada por los pantalones como un enemigo barbaro que los romanos lucharon al norte de sus fronteras. Los celtas o los galos,diversidad de tribus errantes con una cultura común.
Probablemente, represente a un celta, si se observa detenidamente el cinturon de la espada suspende sobre su cintura, con los agujeros producidos por una funda de metal a lado derecho. Se sabe por descripciones en literatura y por conocimientos arqueologicos de las tumbas que especialmente los celtas tenias grandes rotos que colgaban del lado derecho debido a este tipo de cinturones.

Estatua de marmol de una mujer anciana.
Roma, periodo de Julio-Claudian, 14-68 después de Cristo
Copia de una escultura griega del siglo II a.C.

Como ya se dijo, durante el periodo Helenista, los artista se mostraron preocupados por la representción de la niñez, vejez, e incluso por las deformidades fisicas. A pesar de que esta estatua se conoce como la anciana del mercado, probablemente represente a una anciana cortesana en su camino al festival de Dionysos, el dios del vino. Si se ven detenidamente los finos detalles de las prendas y sus delicadas sandalias. Probablemente, la estatua original decoró el santuario del dios y la copia paso decoro algún jardin.

Mascaras de Oceanía
Mascaras de Kavat. Se usaban en ritual de un baile nocturno a la luz del fuego.
El ritual consistía en dos fases. La danza del día, acompañada por un grupo de mujeres, llamaba a la festilidad, agricultura y al luto. A la noche, iva acompañada por hombres, asociado a los bosques que los rodeaban, eran representados por estas mascaras.

Finales del s. XIX - principios de XX. Duke of York Islands, New Britain, Papua, Nueva Guinea

Kongo Power figure,
Nikisi N'Kondi: Mangaaka.
Segunda mitad del s. XIX, Congo

Alaska, mediados del siglo XIX.
¿No os recuerdan a las mascaras de carnaval de Venecia?

Between the earth and the heaven. El Anatsui, Ghana, 2006

"Marsyas" - Balthasar Permoser, Alemania. (1651-1732)
Probablemente el trabajo sea de Roma, 1680
Esa gesticulación desgarrada (incluso enseña la dentadura), no es, para nada, habitual hasta el s. XX.

Marsyas tiene la "audacia" de retar a Apolo a un duelo musical. Él toca el caramillo mientras que Apolo su violin... Tras la derrota, Apolo lo quema vivo. El busto simboliza el nicho, probablemente al aire libre.

Katrin Sigurdardottir

Me encanta Tinguely. Este se titula "Narva" de 1961.

Y con esto y un bizcocho,
hasta mañana a las ocho ...

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